2005/Thelonious Monk Quartet/"with John Coltrane at Carnegie Hall"

Estados Unidos, 2005. Ahora ambos genios se unen. Pieza maestra recientemente descubierta de esta grabación de el día de gracias de 1957, digitalizada por Larry Applebaum, entusiasta del jazz que la halló trabajando para el Archivo de Sonidos de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, donde estuvo almacenada por mas de 50 años sin que nadie siquiera la tocara. Su descubrimiento de un rollo de cinta marcado simplemente como "T. Monk" lo llevó a la constatación del registro de este pequeño gran álbum en vivo de Monk y Coltrane tocando en los años 50 para un concierto benéfico en el Carnegie Hall. Dicho descubrimiento fue llamado musicalmente como el descubrimiento de un nuevo monte Everest, según el semanario Newsweek. "Thelonious Monk Quartet with John Coltrane at Carnegie Hall" fue digitalmente remasterizado por Blue Note Records con la ayuda de el hijo de Monk, T.S. Monk y el productor Michael Cuscuna. Coltrane siempre declaró sobre cuánto había aprendido de Thelonious Monk cuando ambos músicos trataban de reconstruir sus carreras en los días difíciles y ahora podemos escuchar mucho mas acerca de su relación musical. Les dejo de muestra un clásico de Monk contenido en este álbum: 'Monk’s Mood'.

(Link en mediafire a 320 kbps en los comentarios o sobre el par de genios... y sin lámpara maravillosa)

Track listing:
1. "Monk's Mood" – 7:52
2. "Evidence" – 4:41
3. "Crepuscule With Nellie" – 4:26
4. "Nutty" – 5:03
5. "Epistrophy" – 4:29
6. "Bye-Ya" – 6:31
7. "Sweet & Lovely" – 9:34
8. "Blue Monk" – 6:31
9. "Epistrophy" (incomplete) – 2:24

Personnel:
* Thelonious Monk – piano
* John Coltrane – tenor saxophone
* Ahmed Abdul-Malik – bass
* Shadow Wilson – drums

2009/John Zorn/"Femina"

El músico vaguardista John Zorn ha lanzado 5 álbums en estudio este año, y al menos dos de ellos van completamente enfocados a la faceta compositiva y no interpretativa de Zorn. En O'o tuvimos un excelente disco de jazz instrumental, apoyado en vibráfono y órgano, de carácter agradable y melódico. Del mismo tipo se puede decir que es Femina, con la gran diferencia que este disco va encaminado a la música clásica contemporánea. El estilo puede resultar similar a la música de John Cage o Pierre Boulez, pero en realidad se trata de un álbum conceptual que homenajea a algunas mujeres en las artes, por ejemplo: Hildegard von Bingen, Louis Bourgeois, Gertrude Stein, Sylvia Plath, Meredith Monk y Yoko Ono, entre otras. El ensamble acústico que interpreta la obra de Zorn está compuesto sólo por instrumentistas femeninas, de aquí viene el otro hecho que nos explica el título del álbum, además del homenaje.
La música en sí misma, tiene un papel dual, por un lado predominan los momentos de calma a través de excelsos y refinados arreglos orquestales, con bellas melodías tanto de cuerdas como harpa o piano. Por otro lado, existe cierta experimentación sonora que imprime modernidad, con algunos momentos enérgicos que rompen con la paz y la tranquilidad pero permiten la participación de las percusiones o el manejo de electrónicos, esto último quedando a cargo de la talentosa instrumentista japonesa Ikue Mori.
Un álbum de grandísima calidad es de lo que se trata, donde nuevamente John Zorn nos demuestra que sigue sobresaliendo a nivel compositivo, y que sin importar el género o estilo que maneje, es capaz de brindar buena música. A nivel global, lo considero uno de los mejores y más elaborados lanzamientos de todo el 2009.

(Links en mediafire y rapidshare sobre la portada y en los comentarios)

Tracklist:
1. Femina: Part 1 (11:42)
2. Femina: Part 2 (10:11)
3. Femina: Part 3 (10:15)
4. Femina: Part 4 (3:16)

Line-up
John Zorn Conductor, Producer, Arranger
Carol Emanuel / Harp
Jennifer Choi / Violin
Sylvie Courvoisier / Piano
Shayna Dunkelman / Percussion
Okkyung Lee / Cello
Ikue Mori / Electronics
Laurie Anderson / Narrator

2002/Hidria Spacefolk/"Symbiosis"

Hidria Spacefolk es una banda finlandesa que se formó a inicios de esta década, su música tiende al Space Rock del tipo Ozric Tentacles, lo que significa que agarran mucha fuerza en el sintetizador con fines de sonoridades de música electrónica, pero a la vez incorportan, de vez en cuando, ciertos pasajes electro-acústicos, lo que genera una mezcla interesante y fresca de elementos étnicos, sinfónicos y electrónicos. Su primero de tres álbums de estudio es Symbiosis, de una portada excelsa, estéticamente genial y a la vez moderna, al igual que la música que componen. Si bien no es una banda completamente ecléctica, al menos este disco si ofrece diversidad en cuanto a variedades musicales y compositivas, siendo la única desventaja que el estilo no presenta muchas novedades en sí mismo. El guitarreo suele ser suave, las ejecuciones en todos los instrumentos son por lo general veloces y enérgicas, pero se destaca principalmente el sintetizador, de importancia sustancial en esta banda. Sin embargo, hay algunas secciones más acústicas igualmente disfrutables como en el tema "Jahwarp," que deja de lado al sintetizador para dar paso a ambientes más sinfónicos y calmos, con énfasis en las cuerdas y el vibráfono.
Buen disco, y pulido diseño de su portada, va recomendado más que nada a quienes gusten de bandas como Ozric Tentacles o Taipuva Luotisoura.

(Links en mediafire y rapidshare en los comentarios)

Tracks List
1. Terra Hidria (7:03)
2. Reversion (1:39)
3. Kaneh Bosm (5:13)
4. Kaikados (6:18)
5. Nasha Universo (5:15)
6. Jahwarp (5:48)
7. Agents Entropos (3:13)
8. I-Mantra (5:14)
9. Pangaia (11:42)

Line-up
- Kimmo Dammert / bass
- Mikko Happo / electric guitar, digeridoo, harp
- Teemu Kilponen / drums, percussion, voice
- Janne Lounatvuori / synthesizers, electric and acoustic piano, organ
- Sami Wirkkala / electric, acoustic and midi guitar, mandolin, sitar, jawharp, synthesizers

Guest musicians:
- Teemu Väisänen / flute
- Olli Kari / marimba, vibraphone, percussion
- Tuure Paalanen / cello
- Mikko Rajala / violin
- Sabrina / voice

2001/Jet Lag/"Delusione Ottica"

Italia, 2001. Creo que me da tiempo para otro post. En mi país le decimos el "pilón". Cuando hablamos de rock progresivo italiano, es imposible no remontarse a los gigantes de la época dorada de este género, en los 70s: Banco del Mutuo Soccorso, Museo Rosenbach, Le Orme, Premiata Forneria Marconi, Alphataurus, Formula Tre, Jumbo, AreA, Biglietto Per L'Inferno, Il Balletto di Bronzo, y un largo etcétera que pueden apreciar en el blog de mi amigo Dean Samuel. Pero también existen algunos grupos de la actualidad que tratan de emular el sonido de la música de esa época, y algunos lo consiguen de manera importante por ejemplo: La maschera di cera (que ya he publicado en este o el otro blog, no recuerdo) o este grupo llamado Jet Lag y su álbum unigénito "Delusione Ottica". El quinteto Jet Lag se formó en 1996 con gran potencial y con la premisa de tocar música altamente energética. Ideal para los nostálgicos o los amantes del rock sinfónico italiano o de otros países de esa época o estilo.

(Link en mediafire a 320 kbps en los comentarios o sobre la "Ilusión Óptica")

Songs / Tracks Listing:
1. Il Camaleonte (3:13)
2. King of Fools (5:42)
3. Illusione Prospettica (0:58)
4. Castelli di Rabbia (7:50)
5. Delusione Ottica (3:21)
6. Audio Poker (1:43)
7. Re Nudo (6:07)
8. Elusione Ottica (4:15)
9. Mare Nostrum (16:21)

Total Time: 49:30

Line-up / Musicians:
- Fabio Itri / guitars
- Saverio Autellitano / keyboards
- Luca Salice / vocals & fluta
- Bruno Crucitti / drums
- Marco Meduri / bass

1997/5uu's/"Crisis in Clay"

Estados Unidos, 1997. "Crisis in Clay" es el cuarto álbum oficial en estudio de esta banda gringa tan ecléctica, los 5uu's, liderada por el estadounidense - israelí David Kerman. Ya les había publicado algo de ellos, pero me encontré con este otro álbum en la internet. No sé a cuantos de ustedes les haya agradado su estilo... a mi me sigue pareciendo que estoy escuchando dos grabaciones superpuestas en muchos temas, pero... no sé, hay algo en ellos que me sigue diciendo que busque mas allá. Y es que su música es algo complicada, pero no deja de ser interesante. Dave Kerman (nacido el 24 de agosto, 1959) es un baterista y compositor estadounidense de avant-progressive rock, mejor conocido como fundador e integrante del grupo avant-progressive 5uu's. Es también miembro de la banda de rock progresivo belga Present y de la banda avant-progressive israelí Ahvak. Kerman ha integrado en Estados Unidos las bandas U Totem y Thinking Plague, y la holandesa Blast. Ha colaborado con muchos músicos, incluyendo Bob Drake, Chris Cutler y Fred Frith. Espero les agrade y nos leemos hasta el martes mas seguramente.

(Link en mediafire a 320 kbps en los comentarios o sobre la horrible tapa del álbum)

Tracklist:
1. Comeuppance (3:48)
2. Broadside Hits and Near Misses (2:21)
3. The How-To's of Self Taught (3:40)
4. Bought the Farm (4:19)
5. Simply Agree (1:38)
6. Goliath in the Sights (4:18)
7. December (2:55)
8. Hunter-Gatherer (3:30)
9. What Price Virtue? (3:19)
10. Darkened Doors (4:54)
11. The Encounter (3:26)
12. The Willful Suspension of Disb (3:41)
13. Cirrus (3:38)
14. Weaponry (1:11)
15. Absolutely, Absolute (3:48)
16. Ringing in the New Ear (0:42)

Line-up:
Bob Drake — guitars, bass, vocals, violin, etc.
David Kerman — drums, guitars, keyboards, etc.
Sanjay Kumar — keyboards etc, talking

with:
Thomas DiMuzio — electronic & computer generated sounds
Scott Brazieal — vibes

1957/John Coltrane/"Blue Train"

Estados Unidos, 1957. Ya que estamos tan jazzeros, les presento uno que es mi álbum favorito de John Coltrane: "Blue Train". Inclusive la rima del autor contra el título nos acerca a lo que se siente por este álbum. Es un disco muy brillante y a veces hasta alegre, donde, como escuché en algún lado, los instrumentos van desfilando uno por uno y al final todos los músicos se dan la mano. Es uno de esos discos, pero este estilo musical se rompería en la carrera de Coltrane con el tiempo. Esta grabación de septiembre de 1957, es considerada el primer álbum solista de JC y se le encasilla dentro del género a hard bop jazz muy apegado a los sonidos de la época. Es un álbum en realidad pequeño, y con dos temas extra para su aparición remasterizada en CD por su 40 aniversario, tomas alternativas de 'Lazy Bird' y 'Blue Train", de la cual les dejo una muestra. He leído que era el favorito del mismo Coltrane.

(Link en mediafire a 320 kbps en los comentarios o sobre el tren azul de Coltrane)

Track listing:
1. "Blue Train" – 10:43
2. "Moment's Notice" – 9:10
3. "Locomotion" – 7:14
4. "I'm Old Fashioned" – 7:58
5. "Lazy Bird" – 7:00

Alternate takes (1997 CD release only):

6. "Blue Train" (Alternate take) – 9:58
7. "Lazy Bird" (Alternate take) – 7:12

Personnel:
* John Coltrane – tenor saxophone
* Paul Chambers – double bass
* Kenny Drew – piano
* Curtis Fuller – trombone
* Philly Joe Jones – drums
* Lee Morgan – trumpet

2009/The Stanley Clarke Trio/"Jazz In The Garden"

El bajista Stanley Clarke, músico clave en la historia del jazz eléctrico y la fusión de las últimas cuatro décadas, ha decidido encabezar un trío para la consecución de su nuevo disco Jazz In The Garden, tocando el bajo acústico. Acompañado por la pianista Hiromi Uehara y el baterista Lenny White, los tres se acercan al jazz tradicional y se apartan, por tanto y en este disco, del sentido contemporáneo que ha caracterizado la carrera musical de estos tres grandes músicos. La veteranía de Stanley y Lenny, junto a la juventud de Hiromi, provocan en el oyente de Jazz In The Garden una plácida sensación de elegante jazz a través de tres instrumentos clave en la historia de este estilo.

Stanley, músico de mil proyectos en grupo y en solitario, ha decidido, en los tres últimos años, volver a la actividad discográfica tras un periodo largo en el que dedicó casi todo su tiempo a la docencia en diferentes universidades. Todos hemos disfrutado con él tocando el bajo eléctrico pero, en el pasado y acompañando a grandes músicos de jazz (Stan Getz, Art Blakey, Joe Henderson o Dexter Gordon), también ha tocado el acústico, aunque no es su faceta más conocida. Stanley, desde hace años, venía madurando la idea de liderar un trio acústico junto a otros dos músicos que representan a dos generaciones distintas del jazz.

Jazz In The Garden es la consumación de ese "sueño" que Stanley ha convertido en realidad para disfrute de sus incondicionales. Es increible cómo toca el bajo acústico y, escuchándole en este disco, tal vez nos demos cuenta de por qué es la máxima figura del bajo eléctrico. Acompañándole, Hiromi Ueara, la más joven del trio, llamada a ser la gran pianista de los próximos años y que decir del baterista Lenny White, uno de mis músicos favoritos y del que espero reinicie cuanto antes su vuelta a los estudios para grabar discos como los de antaño.

Por: Vive Jazz

(Links en mediafire y rapidshare en los comentarios)

Tracks List
1 Paradigm Shift (Election Day 2008) Clarke 7:43
2 Sakura Sakura Traditional 5:33
3 Sicilian Blue Uehara 4:48
4 Take the Coltrane Ellington 3:30
5 3 Wrong Notes Clarke 5:47
6 Someday My Prince Will Come Churchill, Morey 4:56
7 Isotope Henderson 5:27
8 Bass Folk Song No. 5&6 Clarke 4:02
9 Global Tweak Clarke, Uehara 3:43
10 Solar Davis 5:14
11 Brain Training Uehara 4:52
12 Under the Bridge Balzary, Frusciante, Kiedis ... 5:32

Line-up
Hiromi Uehara-piano
Lenny White-drums
Stanley Clarke -bass

1956/Thelonious Monk/"Brilliant Corners"

Estados Unidos, 1956. Magnifico pianista y extraordinario compositor, Thelonious Monk, (1917-1982), se traslada desde Rocky Mount, la localidad donde nació, con su familia a New York con apenas tres años. A los cinco o seis años ya golpetea las teclas y a los once recibe lecciones de piano. De adolescente acompaña al órgano y al piano a su madre, que canta en una iglesia baptista, y a comienzos de los años 30 empieza a tocar en un local de su barrio como integrante de un trío. Tras ganar un concurso de aficionados al piano en el famoso Theatre Apollo de Harlem, realiza breves estudios en la "Julliard School" en 1939 y mas tarde se asocia con el baterista Kenny Clarke, que por entonces trabajaba establemente en el "Minton's Playhouse" de Harlem, el club fundacional del bebop años mas tarde. Casi al mismo tiempo, Kenny Clarke, le presenta a Bud Powell, pianista habitual de ese club y con el que establece una buena amistad.

Es precisamente al lado de estos músicos y junto con el saxofonista alto, Charlie Parker, el trompetista Dizzy Gillespie, y el guitarrista, Charlie Christian, con quienes inventa el nuevo sonido del jazz moderno y que todos conocemos como bebop. Las jam sessions del Minton's son rápidamente anunciadas de boca en boca y todos los músicos importantes de New York y todos los aficionados al jazz, pasan por Harlem para oír a los jóvenes músicos que se atrevieron a dar por terminada la era del swing con el nacimiento de la nueva y revolucionaria música. En 1944, Monk, conoce a Coleman Hawkins, con quien toca en el Club Onyx de la Calle 52 y con el que graba sus primeros discos, que luego serían consideradas las primeras grabaciones oficiales del bebop. Luego toca con el trompetista Cottie Williams y el saxofonista Skippy Williams y en 1946, con la big band de Dizzy Gillespie. En 1947 graba finalmente bajo su nombre, en combo y en trío, para el sello Blue Note una serie de discos extraordinarios y actúa en diferentes clubes hasta 1951. Fue su época dorada. En aquellos años, ya con un estilo pianístico conciso y perfecto, con una madurez estilística consolidada y con la creatividad a flor de piel, Thelonius nos dejó sus mejores composiciones, algunas de ellas, verdaderas obras maestras que se han convertido con el paso del tiempo en verdaderos estándares del jazz. Tres hay que destacar necesariamente, la bella "Round About Midnight", su extraordinaria composición "Straigh No Chaser" y su clásico "Blue Monk"

Pero desgraciadamente los buenos tiempos se le acabaron pronto y en 1951 es arrestado junto a Bud Powell por consumo de estupefacientes. Tras dos meses de cárcel le retiran el permiso de trabajo, lo que le impide actuar en los clubes de Nueva York hasta 1957. Fue casi una sentencia de muerte para su creatividad. En 1954, y tras una malísima racha económica solo superada por malísimos contratos mal pagados fuera de New York, y con una voluntad de hierro y arropado por su familia, no dejó nunca de componer ni de tocar el piano en su domicilio, hasta que en 1954, se cruzó en su vida la baronesa, Pannonica "Nica" de Koenigswarter, quien le ayuda económicamente hasta que le devuelven en 1957 el carné de músico. Nacido de nuevo para el jazz, Thelonious Monk, realiza una vuelta triunfal para tocar en el recién inaugurado club, Five Spot con John Coltrane y mas tarde, con Johnny Griffin y Roy Haynes. El éxito fue tan rotundo que el contrato se prolongó por espacio de seis meses y comenzaron las giras por Europa y Japón -donde ofrece en Tokyo, un concierto extraordinario- y actuaciones por doquier en conciertos y festivales. Incorpora a su grupo al saxofonista Charlie Rouse (1959-1970); alguna que otra vez actúa en big band y a partir de 1961 toca sobre todo en cuarteto. En 1971, tras una hospitalización, aceptó unirse a una gira europea del grupo "The Giants Of Jazz" junto a Dizzy Gillespie y Art Blakey entre otros. Finalmente grabó con Blakey y el bajista, Al McKibbon y también a piano solo, en una sola session en Londres tres magníficos álbumes que luego resultarían ser sus últimos discos.

En efecto, al año siguiente, en 1972, después de muy escasas apariciones, se retira y se encierra en el mutismo hasta su muerte en 1982. Sin dar explicaciones a nadie, debió decidir que estaba cansado y no volvió a parecer mas en publico. Los diez años que todavía vivió los pasó encerrado en su casa o temporalmente en casa de su protectora la baronesa "Nica". Algunas visitas por su cumpleaños de sus amigos, especialmente Charlie Rouse, transcurrían en el silencio mas absoluto. Finalmente una hemorragia cerebral el 17 de febrero de 1982 puso fin a su vida en el Hospital de Englewood de New Jersey, pero no a su historia.
Thelonious Sphere Monk, sigue viviendo en su música.

tomado de: elblogdeljazz

(Link en mediafire a 320 kbps en los comentarios o sobre las esquinas de monk)

Tracks:
1.Brilliant Corners
2.Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are
3.Pannonica
4.I Surrender, Dear
5.Bemsha Swing

Músicos:

Thelonious Monk: piano, celesta

Ernie Henry: saxofono alto

Sonny Rollins: saxofono tenor

Oscar Pettiford: contrabajo doble

Max Roach: batería, timbales

Clark Terry: trompeta

Paul Chambers: contrabajo doble

1955/Thelonious Monk/"Thelonious Monk plays Duke Ellington"

Estados Unidos, 1955. Desde la ventana de la habitación que abandonó muy pocas veces en los últimos años de su vida Thelonious Monk veía el río Hudson y el perfil entrecortado de Manhattan. Cada mañana se vestía escrupulosamente con sus trajes bien cortados, sus grandes zapatos, sus calcetines y sus corbatas a juego, como si tuviera que acudir a alguna cita en la ciudad, y a continuación se tendía en la cama, y se pasaba el día mirando el techo, o se incorporaba sobre los almohadones doblados para mirar la televisión. Su programa favorito era la versión americana de El precio justo. El pianista Barry Harris, que vivía en la misma casa, y que ensayaba en una sala próxima, se asomaba a veces a la habitación de Monk y al verlo inmóvil y formal encima de la cama pensaba que parecía un muerto en su ataúd. La casa estaba en Nueva Jersey y había pertenecido al director de cine Joseph von Sternberg. Su dueña era ahora la baronesa Pannonica de Koenigwarter, que llevaba años dedicando su vida y su fortuna a proteger a músicos de jazz, y que en 1955, en su apartamento del hotel Stanhope de Nueva York, había acogido a Charlie Parker, enfermo y desahuciado. Mientras la baronesa Pannonica le preparaba algo de cena o una bebida, Parker estaba en el sofá mirando un programa cómico que le gustaba mucho. Se le paró el corazón en medio de un ataque de risa.

Ahora Pannonica o Nica vivía retirada en Nueva Jersey en compañía de sesenta gatos y desde 1976 tenía como huésped a Monk, que llevaba todo ese tiempo sin tocar el piano, sin hacer nada, sólo levantarse cada mañana y vestirse y volver a tenderse en la cama recién hecha para mirar al techo o volver los ojos hacia la ventana en la que se recortaba cada día la silueta azulada o diluida en la niebla de la ciudad en la que había crecido y pasado la mayor parte de su vida, y a la que no iba a volver, teniéndola tan cerca. Le gustaba a veces dejar la puerta entornada para escuchar cómo Barry Harris tocaba el piano. También se daba algún paseo por el bosque cercano a la casa. Cuesta imaginar a Thelonious Monk caminando por un sendero en un bosque, grande y solo, incongruente con su traje de ciudad y su falta de costumbre de frecuentar la naturaleza, alguien crecido en las calles peligrosas del West Side de Manhattan, aclimatado muy pronto a la tiniebla de los clubes, los callejones, las esquinas nocturnas. Caminaría con una torpeza urbana agravada por la enfermedad, con algo de sonambulismo, con la mirada ausente y la expresión ensimismada, atento tal vez a los rumores del viento en las hojas y a los cantos de los pájaros, él que había tenido desde niño un oído tan sutil para la música, y que ahora parecía haber dejado de necesitarla. Cómo sería ir por uno de aquellos senderos y encontrar de pronto a Thelonious Monk, con su mirada fija y bovina, quizá con un sombrero o un gorro estrambótico, si es que no había prescindido también de esa costumbre, la de coronar su figura con un tocado en el que siempre había algo de pagoda o de bonete o solideo de alguna orden monacal, de un sacerdocio absurdo que él hubiera adoptado con la misma seriedad con que Buster Keaton se empeñaba en sus tareas imposibles.

Algo de imposible hubo siempre en la música de Monk, una cualidad tortuosa y chocante que durante muchos años desconcertó a quienes la escuchaban y que todavía mantiene el filo de su novedad. La pulsación de una sola nota basta para identificarlo. Delicadeza y disonancia se superponen provocando ondulaciones sonoras que duran en los espacios de silencio. Con cuatro o cinco notas ya se ha establecido una melodía que tiene una parte de dulzura y otra de burla y de tentativa en el vacío. Cuando Monk era un adolescente pasó dos años acompañando al piano a una predicadora evangelista ambulante, una de aquellas iluminadas que daban sus sermones en graneros o en pobres salones de alquiler en los pueblos segregados del Sur y enardecían a los fieles con el fuego de una oratoria bíblica que se convertía sin transición en canto africano de llamada y respuesta. El joven Monk acompañaría los himnos tocando harmonios o pianos viejos sin afinar a los que les faltaban teclas y observaba de cerca la perduración de los ritmos y las melopeas clamorosas venidas de África, mezcladas con la herencia musical europea en una aleación que era el río originario del negro spiritual, el blues y el jazz. Años después, cuando ya era un músico conocido, sus estridencias y sus invenciones sonoras no se alejaron nunca del tronco de los blues, y sus lentas danzas de oso sobre el escenario, mientras los otros seguían tocando, tenían algo de ritual antiguo y posesión, como de trance de iglesia baptista.

Otros se extenúan en vano queriendo lograr a base de aspavientos y de imposturas algún simulacro de originalidad. Thelonious Monk no se pareció nunca a nadie. Creció en la digna pobreza de la clase trabajadora negra que emigraba desde el Sur agrario, atrasado y racista a las capitales industriales del Norte y siguió siendo pobre, con períodos cortos de relativo bienestar, hasta el final de su vida. En un pequeño club de Harlem, Minton’s Playhouse, en los primeros años cuarenta, empezó a tocar como no lo había hecho nunca nadie, pero el crédito por la gran transformación del jazz que tardó mucho todavía en llamarse bebop se lo llevaron sobre todo Charlie Parker y Dizzy Gillespie, mientras él permanecía en la pobreza y en la sombra. Parker y Gillespie lo trastornaron todo acelerando al máximo la velocidad y exagerando el virtuosismo: Monk prefirió la apariencia de sencillez, las lentitudes contemplativas. Inventó una música en la que otros brillaban más que él y una estética personal que se convirtió en moda: la boina, las gafas de sol en plena noche, la perilla de cabra. Jugaba al tenis con la misma destreza desconcertante y versátil con que tocaba el piano y cuando tenía algo de dinero preparaba cazuelas de espaguetis con albóndigas. A las personas que quería –su primer amor, Ruby; su mujer, Nelly; su hijo Toot; su hija Bo Bo– les dedicó pequeñas baladas llenas de una ternura como de canciones de cuna, hechas con un arte tan meticuloso, tan liviano, como acuarelas de Paul Klee.

Robin D. G. Kelly le ha dedicado ahora una extraordinaria biografía, Thelonious Monk, The Life and Times of an American Original. La mejor manera de leerla es escuchando de fondo los discos de Monk, sintiendo en cada nota del piano, como en una sesión de espiritismo, una presencia que el paso de los años no desdibuja. Pero, cuando acaba la música y uno cierra el libro, la presencia no cesa. El silencio también tiene que ver con Thelonious Monk, que eligió recluirse en él al final de su vida, estragado por la enfermedad y el agotamiento: un silencio que, según él decía, es el ruido más estruendoso que existe en el mundo.

Thelonious Monk, The Life and Times of an American Original. Robin D. G. Kelly. Free Press, 2009. 608 páginas.

(Link en mediafire a 320 kbps en los comentarios o sobre la tapa del disco)

Tracks:
01 - It Don’t Mean a Thing (If It Ain’t Got That Swing)
02 - Sophisticated Lady
03 - I Got It Bad and That Ain’t Good
04 - Black and Tan Fantasy
05 - Mood Indigo
06 - I Let a Song Go Out of My Heart
07 - Solitude
08 - Caravan

Personnel:
Thelonious Monk ( Piano )
Oscar Pettiford ( Double Bass )
Kenny Clarke ( Drums )

1997/French TV: "You-Hoo!!! French TV Live"

Este disco de caricaturesca portada es el único oficial publicado hasta la fecha de un concierto de los estadounidenses French TV, lideriados por el bajista Mike Sary. Un puente perfecto es de lo que se trata este álbum, pues se ubica en el punto más crítico de la discografía de French TV, es decir, antes de este disco había una banda con tendencias de rock sinfónico y jazz-rockeras, pero a partir de su siguiente trabajo explorarían territorios del RIO, el canterbury y el Avant-Garde, dando un giro musical importante. Temas de rock enérgico e improvisatorio son el que da inicio al concierto y "The Tingler", con guitarra y bajo potentes. Luego pasamos a un trance cómico y humorísitico, característico de French TV, en temas como "Clanghonktweet" y su inolvidable e inconfundible melodía de teclado. En contraparte, la faceta sensible y seria de la banda se deja ver en "The Artist's House", un tema bastante calmo y bello con melodías de teclado que emulan el sonido un piano, de carácter casi melancólico. El lado más experimental del álbum lo alcanzan con la excelente versión extendida de "Hey! Real Executives..", un tema que en principio puede aparentar el rock enérgico con virtuoso guitarreo de otros temas, pero que de repente nos toma por sorpresa y se mete en una atmósfera completa de rock espacial, que tiene como protagonistas al sintetizador y la batería, una sección altamente disfrutable que mucho más adelante se regresa a la parte enérgica. Excelentes y finas ejecuciones, no menos importantes son "Friendly Enzymes" y "And The Dead Dog..", donde sólo se echa de menos la instrumentación con que cuentan las versiones de estudio, pero la vibra que transmiten y la emoción con que interpretan son las mismas, la esencia queda también intacta.
En completo, es un conciertazo que demuestra bastante bien que French TV es una banda muy multifacética que incluso puede saltarse de un estilo musical a otro, y por tanto su música está dotada de muchas variedades sonoras y rítmicas.

(Links en mediafire y rapidshare en los comentarios)

Track List
1. Happy Armies Fight in Their Sleep (5:45)
2. The Tingler (6:16)
3. Clanghonktweet (6:43)
4. Friendly Enzymes (7:04)
5. The Souls of the Damned Live in Failed Works (9:52)
6. The Family That Oonts Together Groonts Together (7:19)
7. And The Dead Dog Lept Up And Flew Around the Room! (7:45)
8. The Artist's House (6:12)
9. Hey! Real Executives Jump From the Fiftieth Floor! (12:34)

Line-up
- Mike Sary / bass
- John Robinson / keyboards
- Bob Douglas / drums
- Dean Zigoris / guitars, guitars synthesizers

1993/Frank Zappa/"The Yellow Shark"

Estados Unidos, 1993. Y este álbum que prometí publicar en el blog pasado, pero se quedó solo en promesas. Se trata de "The Yellow Shark" de Frank Zappa. Fue la última presentación del genio en vivo, ya que en diciembre de ese mismo año lo vencería la batalla contra el cáncer. Existe un DVD que también poseo con este material, donde se puede ver la ovación de varios minutos al músico al finalizar la obra y por ejemplo la danza de 'G-Spot Tornado', o la infinidad de objetos que usa el Ensemble Modern en la realización de su música, como una cubeta llena de vino tinto y un tubo de plástico, las lecturas, improvisaciones teatrales y caracterizaciones... Altamente recomendable. También es uno de los discos mas eclécticos del músico, y eso que hizo cientos de discos. Te extrañamos Frank.

(Link en mediafire a 320 kbps en los comentarios o sobre el tiburón amarillo)

Track listing:
1. "Intro" – 1:43
2. "Dog Breath Variations" – 2:07
3. "Uncle Meat" – 3:24
4. "Outrage at Valdez" – 3:27
5. "Times Beach II" – 7:31
6. "III Revised" – 1:45
7. "The Girl in the Magnesium Dress" – 4:33
8. "Be-Bop Tango" – 3:43
9. "Ruth Is Sleeping" – 5:56
10. "None of the Above" – 2:17
11. "Pentagon Afternoon" – 2:28
12. "Questi Cazzi Di Piccione"[1] – 3:03
13. "Times Beach III" – 4:26
14. "Food Gathering in Post-Industrial America, 1992" – 2:52
15. "Welcome to the United States" – 6:39
16. "Pound for a Brown" – 2:12
17. "Exercise, No. 4" – 1:37
18. "Get Whitey" – 7:00
19. "G-Spot Tornado" – 5:17

Personnel:
* Frank Zappa – conductor, producer, performer
* Peter Rundel – conductor, violin
* Dietmar Wiesner – flute
* Catherine Milliken – oboe, english horn, bass oboe[2], didjeridu
* Roland Diry – clarinet
* Wolfgang Stryi – bass clarinet, tenor saxophone, contrabass clarinet
* Veit Scholz – bassoon, contrabassoon
* Franck Ollu, Stefan Dohr – french horn
* William Formann, Michael Gross – cornet, flugelhorn, piccolo trumpet, trumpet
* Uwe Dierksen – trombone, soprano trombone
* Michael Svoboda – trombone, euphonium, didjeridu, alphorn
* Daryl Smith – tuba
* Herman Kretzschmar – celeste, harpsichord, voices, piano
* Ueli Wiget – celeste, harpsichord, harp, piano
* Rumi Ogawa-Helferich – cymbalom, percussion
* Andreas Böttger – percussion
* Detlef Tewes – mandolin
* Jürgen Ruck – banjo, guitar
* Ellen Wegner – harp
* Mathias Tacke, Claudia Sack – violin
* Hilary Sturt – violin, voices
* Friedemann Dähn – violoncello
* Thomas Fichter- contrabass, Fichter electric upright bass

* Ensemble Modern – main performer

Technical staff:
* Todd Yvega – synclavier assistance
* Spencer Chrislu – engineer, mixing
* Harry Andronis – engineer
* Brian Johnson – art direction, design
* Hans Jörg Michel – photography
* Henning Lobner – photography
* Dave Dondorf – engineer, coordination
* Jesse Di Franco – art direction, design
* Ali N. Askin – arranger
* Fritz Brinckmann – photography

1999/Frank Zappa/"Everything Is Healing Nicely"

Estados Unidos, 1999. En 2 semanas se cumplirán 16 años de la muerte del maestro Frank Vincent Zappa. El fin de semana pasado mi amigo Oscar Flores me llama por teléfono y me pone 'Watermelon in an Easter Hay' a la bocina. Yo estaba en plena mudanza, talacha del departamento y trabajos caseros, cuando con esa guitarra me dispuso de buen humor. "Everything Is Healing Nicely" es un álbum que va a cumplir sus primeros 10 años, y nace de los ensayos e improvisaciones para el que sería su última aparición profesional pública "The Yellow Shark". Decidí colgar este álbum nuevamente por que hace poco hablabamos del Ensemble Modern, que larga vida tiene recorrida en el mundo de la música, con sus extravagancias, pero sobre todo, con esa enorme comprensión de la música. "Everything Is Healing Nicely" conocido mas fácilmente por sus iniciales "EIHN" es un álbum póstumo que la familia Zappa publica 7 u 8 años después de sus "Sessions". Para mi, la última etapa de la vida de Frank Zappa fue la mas seria musicalmente hablando, es decir, para mi el pasó a ser, de ícono juvenil, a seguir por su rebeldía musical, al músico orquestal o de cámara, o ensamble profesional e idolatrado. Éste álbum nos lo demuestra con los ensayos, o las 'sessions' de lo que fuera posteriormente el "Yellow Shark" (como nombraba FZ a su guitarra) y que posteriormente tendré el placer de publicar aquí. Para destacar, 'Amnerika Goes Home': Tomado de El 3er. Poder: 'Amnerika' en su forma original aunque menos elaborada se grabó primero para "Thingfish". Aquí Frank utiliza el Synclavier para llevar el 'hocketing' a su extremo más absurdo. Para aquellos que no estén familiarizados con el término, es una técnica compositiva muy utilizada durante el período barroco, en la que una frase se segmenta de tal forma que dos o más instrumentos tocan segmentos alternativos, tomándolo cada uno donde el otro lo dejó. Frank tomó la "melodía y acompañamiento" estándar de 'Amnerika' y distribuyó cada nota sucesiva a un instrumento diferente. El resultado tal y como se escucha en "Civilization: Phase III" es impresionante. Bastante fácil para una computadora pero es extremadamente difícil para 24 humanos que cada uno coloque sus notas aisladas respectivas en intervalos aparentemente azarosos y hacer que la cosa completa funcione como un engranaje. Las interpretaciones de los conciertos de "Yellow Shark" todavía eran un poco inestables y esta composición fue excluida del álbum. Spencer sintió que editando las mejores partes de cada concierto podría montar una versión con derecho a existir. Por cierto, que me han dicho que el Ensemble Modern ahora interpreta 'Amnerika' rutinariamente y que sale ajustado e intachable cada vez. Era sólo una cuestión de tener suficiente tiempo para practicar. En fín, todo el álbum que comienza con la locura de una tarjeta de bibloteca perdida, pasando por una especie de 'corno' deleitándose con vino tinto, hasta la carta a una revista de tatuajes de un sujeto que dice tener la "cabeza" tatuada y un piercing en el escroto donde ahora si el aire "pasa" (goes thru).

(Link en Mediafire en los comentarios o sobre la excelente portada del álbum)

Temas:
1. "Library Card" – 7:42
2. "This Is a Test" – 1:35
3. "Jolly Good Fellow" – 4:34
4. "Roland's Big Event/Strat Vindaloo" – 5:56
5. "Master Ringo" – 3:35
6. "T'Mershi Duween" – 2:30
7. "Nap Time" – 8:02
8. "9/8 Objects" – 3:06
9. "Naked City" – 8:42
10. "Whitey (Prototype)" – 1:12
11. "Amnerika Goes Home" – 3:00
12. "None of the Above (Revised & Previsited)" – 8:38
13. "Wonderful Tattoo!" – 10:01

Frank Zappa & The Ensemble Modern:
Peter Rundel
Hilary Sturt
Thomas Fichter
Catherine Milliken
Wolfgang Stryi
Franck Ollu
William Formann
Uwe Dierksen
Daryl Smith
Ueli Wiget
Rumi Ogawa-Helferich
Detlef Tewes
Mathias Tacke
Friedemann Dähn
Dietmar Wiesner
Roland Diry
Veit Scholz
Stefan Dohr
Micahel Gross
Michael Svoboda
Hermann Kretzschmar
Rainer Römer
Andreas Böttger
Jürgen Ruck

2008/Travis & Fripp/"Thread"

Reino Unido, 2008. Otro álbum que presenté en el blog pasado y que para todos nosotros es parte de nuestros favoritos es "Thread", de la unión entre Robert Fripp y Theo Travis y mezclado por Steven Wilson. A Fripp todos lo conocemos como líder de King Crimson, y por varios trabajos extras dentro de su misma línea musical. Pero déjenme hablarles mas de alguien a quien admiro mucho: Theo Travis. Nacido en Birmingham, Inglaterra en 1964, Travis se graduó en flauta y saxofón en la Universidad de Manchester. Ha trabajado en proyectos tan distintos como Bass Communion, The Tangent, Porcupine Tree, Jansen Barbieri Karn, No-Man, Nine Horses, Karmakanic, (que ya nos lo ha presentado Kobaïan), este con Robert Fripp, o el proyecto Soft Machine Legacy, al que se unió en 2006, basado en los miembros y la música de Soft Machine, reemplazando al difunto Elton Dean. TT es un músico importante en la escena del jazz y el rock progresivo ingleses actuales tanto como para que su disco "View From the Edge" fuera elegido como Mejor CD Inglés de Jazz de 1994 por los críticos y lectores de la revista Jazz on CD.

(Link en megaupload a 320 kbps en los comentarios o sobre la tapa del álbum)

Tracklisting:
1. Land Beyond The Forest — 4:23
2. The Apparent Chaos Of Blue — 8:50
3. As Snow Falls — 14:00
4. Before Then — 6:22
5. One Whirl — 2:39
6. The Silence Beneath — 8:36
7. Curious Liquids — 3:14
8. The Unspoken — 5:22
9. Pastorale — 10:40

Credits:
Artwork By [Graphic Design] — Carl Glover
Edited By, Mixed By, Other [Treatments], Mastered By — Steven Wilson
Flute [Alto], Saxophone [Soprano], Composed By, Producer — Theo Travis
Guitar, Composed By — Robert Fripp
Photography — Mark Nelson
Photography [Portrait] — David Singleton
Recorded By — David Singleton
Recorded By [Additional Alto Flute Recording] — Leigh Darlow (tracks: 3, 7, 8)

2001/7 for 4/"Contact"

Alemania, 2001. Para evaluar su discografia completa, que solo consta de estos 3 álbumes hasta ahora, les presento su álbum Debut: "Contact". 7 For 4 es una banda conformada por 4 excelentes músicos de Munich, Alemania. Se originó en el año 1999 por el guitarrista Wolfgang Zenk (ex- Sieges Even). La música de 7 for 4 tiene la suma de los mas diferentes estilos, teniendo influencias Metal (Dream Theater), Country (Steve Morse), Latin hasta Jazz (Joe passport), y como dice Kobaïan, se andan convirtiendo en esenciales del jazz rock moderno. Les dejo de muestra, para que evalúen antes de descargar, el primer tema del primer álbum de 7 for 4: 'X-Dreams'. Mil gracias a todos por sus buenos deseos y a los nuevos seguidores del blog. Gracias por leernos y aún publico un post mas. Espero sea de su agrado.

(Link en rapidshare a 160 kbps en los comentarios o sobre la carátula del contacto a 320 kbps por mediafire)

Songs / Tracks Listing:
1. X-Dreams (5:14)
2. Tokamak (3:58)
3. La Provence (6:06)
4. E-Gyptian (5:06)
5. Highlands (7:12)
6. Rushian (6:16)
7. Rockalaxy (4:51)
8. Catking (7:47)
9. Subspace Distortion (6:08)

Total Time: 51:32

Line-up / Musicians:
- Wolfgang Zenk / guitars
- Markus Grützner / bass
- Klaus Engl / drums
- Markus Froschmeier / keyboards

2004/Alex Skolnick Trio/"Transformation"

Y, si bien es cierto que podemos encontrar algunas "bastardizaciones" (dixit Blaze Bayley -Iron Maiden-) como el Butchering The Beatles, del otro lado encontramos como algunas canciones clásicas del Heavy Metal pueden ser transformadas en algo más sutil como, por ejemplo, el Jazz.

Retomando un poco lo que nuestros amigos han compartido; Kobaïan, con el proyecto Ohm, que cuenta con la participación de Chris Poland, ex-Megadeth (cosa que, ciertamente, ya habías mencionado, pero que no leí, ja ja, perdón) y La Noche, que nos presentó a Attention Deficit, integrado por Alex Skolnick (Testament), Michael Manring (alumno de Jaco Pastorius) y Tim Alexnader (ex-Primus), quiero seguir un poco esa línea y traerles el segundo disco del Alex Skolnick Trio.

En este proyecto, el guitarrista de Testament realiza versiones Jazz de diferentes canciones que a mí me son muy familiares pues soy un gran fanático del Heavy Metal. En Transformation podemos encontrar clásicos como Electric Eye (Judas Priest), Blackout (Scorpions), Money (de Pink Floyd y que es la única que no entra en la etiqueta de Heavy Metal), Don't Talk To Strangers (Dio) o Highway Star (Deep Purple).

También hay un pequeño fragmento de The Trooper (Iron Maiden) mezclado con una composición propia del trio. Las canciones anteriormente mencionadas, se intercalan con algunas canciones hechas por Skolnick y cía. en las que nos demuestran que este señor está más allá de los riffs pesados y los solos ultra-rápidos a los que nos tiene acostumbrados con los thrashers, Testament.

Un buen experimento en el que podemos escuchar la Tranformación que han realizado a estos himnos del Metal.

(Link en mediafire sobre la portada del álbum o en los comentarios)

Temas:
1. Transformation

2. Electric Eye (Judas Priest cover) Originally released on the Screaming for Vengeance album.
3. Fear Of Flying
4. Money (Pink Floyd cover) Originally released on the The Dark Side of the Moon album.
5. Both Feet In
6. Scorch (Featuring Charlie Hunter on 8-string guitar)
7. Blackout (Scorpions cover) Originally released on the Blackout album.
8. IMV/The Trooper (The Trooper is an Iron Maiden cover) The Trooper was originally released on the Piece of Mind album.
9. No Fly Zone
10. Don't Talk To Strangers (Dio cover) Originally released on the Holy Diver album.
11. Highway Star (Deep Purple cover) Originally released on the Machine Head album.

Personnel:

-Alex Skolnick / guitar
-Nathan Peck / upright bass
-Matt Zebroski / drums/percussion

2004/7 for 4/"Time"

Alemania, 2004. El fin de semana mi esposa y yo nos mudamos de departamento. Ahora ya estamos mas amplios y en poco tiempo tendré internet en el hogar. Aunque por ahora me siento molido y sin ganas de nada, y eso que no tengo muchas cosas, aún estamos comenzando. Y ahora, hablando de repostería, ya que Kobaïan dio la pauta al publicar material de los alemanes 7 for 4, les publico nuevamente dos discos de esta extraordinaria banda. Ya él nos mostró su tercer y mas reciente álbum "Diffusion", y en esta ocasión les traigo el seguno llamado "Time". Debo confesar que no los conocía, pero K nos los presentó y me encontré con una excelente propuesta, músicos virtuosos y frescura de conceptos. Un cajoncito en el cerebro mas para la memoria y el acervo gracias al buen K.

(Link en rapidshare a 256 kbps en los comentarios o sobre la tapa del álbum)

Temas:
01. Zeitgeist
02. TempERAmento
03. Where Are You Now
04. 7:44 a.m.
05. Time (Chapter I)
06. Rock'n'Rolex
07. Perpetuum Mobile
08. Time (Chapter II)
09. Flux Capacitor
10. Burnt Chicken Wings
11. Slow [e]Motion

Integrantes:
* Wolfgang Zenk (Guitarra)
* Markus Grützner (Bajo)
* Klaus Engl (Bateria)
* Markus Froschmeier (Teclado)

2009/Delirium/"Il Nome Del Vento"

Delirium es una banda que surgió en Italia a principios de los años setentas, nunca han sido considerados uno de los fuertes exponentes del rock progresivo italiano (por motivos estilíticos), sino más bien comparados en ocasiones con Jethro Tull, por la mezcla de elementos folklóricos, rock progresico de alto nivel y acercamientos directos a la música clásica.
En el 2009 han regresado tras diez años de inactividad, pero bien valió la espera para los fans, por tratarse de un disco de composiciones bastante trabajadas y diversa instrumentación que abarca un cuarteto de cuerdas, saxofón y clarinete, además de los instrumentos comúnmente usados. Il Nome Del Vento es un disco en el que abundan pasajes calmos, mayormente sinfónicos con arreglos neoclásicos muy refinados, y que por lo general pone especial énfasis en melodías y coros suaves. El empleo de saxofón les agrega cierto toque jazzístico, siendo imposible ignorar su incorporación y buen uso a lo largo del álbum, sobre todo en el tema "Dopo il Vento". El guitarreo incorpora algunos solos, no es el punto fuerte de este disco pero le agrega cierta variedad, además de que son bien ejecutados. Más bien, lo que llega a sobresalir bastante en este disco es la armonía y comunicación entre instrumentos, un elemento que sin duda ha quedado muy pulido en todas las canciones que conforman Il Nome Del Vento.

(Links en mediafire y rapidshare en los comentarios)

Tracks List
Intro (1:23)
Il Nome del Vento (6:01)
Verso il Naufragio (6:35)
L'Acquario delle Stelle (6:15)
Luci Lontane (4:14)
Profeta senza Profezie (4:20)
Ogni Storia (5:02)
Note di Tempesta (4:29)
Dopo il Vento (9:40)
Cuore Sacro (8:49)
Bonus Track: L'Aurora Boreale (4:26)

Line-up
Ettore Vigo: keyboards
Martin Grice: Sax, Flute, Keyboards
Pino Di Santo: Drums, Vocals
Roberto Solinas: Guitars, Vocals
Fabio Chighini: Bass
Mimmo Di Martino: Vocals on Il Nome del Vento

String quartet:
Chiara Giacobbe Chiarilla: Violin
Diana Tizzani: violin
Simona Merlano: Viola
Daniela Caschetto Helmy: Cello

guests:
Stefano Lupo Galifi: Vocals
Sophya Baccini: Piano / Choirs

2008/Ohm/"Circus Of Sound"

Finalmente, el último y bien trabajado disco de Ohm, es Circus Of Sound. Se había mencionado que con este disco, Ohm entraría en un trance metalero, pero nunca es por completo, en realidad es la energía con que interpretan la mayoría de los temas, lo que lo convierte en cierto grado, en un disco de la vertiente moderna de fusión/metal. También es cierto que el guitarrista Chris Poland demuestra mejor en este disco que viene de la escuela del Heavy Metal, y que además sabe como establecer inteligentemente ese nexo moderno del metal y el jazz fusion, que han puesto en práctica muchas bandas de la actualidad. Como en discos pasados, el guitarreo es un elemento a favor, siempre virtuoso, siempre cambiante entre riffs potentes y otros más suaves, y con varios solos impresionantemente ejecutados. La batería en Circus Of Sound no queda completamente a cargo de Kofi Baker, sino que hay dos bateristas invitados: Joel Taylor y Frank Briggs, cada uno interpretando temas distintos, lo cual le agrega al disco cierta variedad. Se echa de menos en este disco la participación fuerte del bajo, tan sólo destacable en selectos temas como Mr. Brown (un excelente homenaje a James Brown). Sigue vigente en este álbum los jams e improvisaciones del Amino Acid Flashback, al igual que la complejidad de la estructura que siguen los temas, manteniendo la esencia y el sello característico de Ohm.

(Links en mediafire y rapidshare en los comentarios)

Track List
1. Fun House (4:11)
2. System Of A Clown (3:26)
3. Photograph (2:38)
4. Circus Of Sound (4:20)
5. Point Omega (3:26)
6. Abracadabra (3:49)
7. The Shortest Straw (3:10)
8. The Black Hand (3:38)
9. You Don’t Know (4:28)
10. Steps From Home (3:13)
11. Mr. Brown (4:34)
12. DD214 (3:42)
13. Leap Of Faith (4:24)
14. Pan’s Plan (3:53)

Line-up
- Chris Poland (Guitarras)
- Robby Pagliari (Bajo)
- Joel Taylor (Batería en tracks 1 a 3)
- Frank Briggs (Batería en tracks 4 a 7)
- Kofi Baker (Batería en tracks 8 a 14)

2005/Aranis/"Aranis"

Aranis es un septeto de Bélgica que interpreta música clásica contemporánea o música de cámara, con algunos pocos elementos folklóricos. También se les ubica dentro de la vertiente del RIO pero en realidad se trata de un caso bastante particular, ya que de rock propiamente dicho tienen muy poco, y sin embargo es un hecho que se han llegado a presentar en festivales de RIO en algunas locaciones de Europa. Pero no se espanten, muy poco tiene que ver Aranis con grupos de su país como Univers Zero y Present, o a nivel general, tampoco se relacionan mucho con Art Zoyd, Henry Cow ni ninguno de los pilares del género. Más bien, se puede decir que tiene más en común con el álbum Ainsi De Nous del tecladista Jean-Philippe Goude que ya he tenido el gusto de compartirles o con el grupo, también belga, Cro-Magnon.
El compositor es principalmente el bajista Joris Vanvinckenroye pero la ejecución de la música queda a cargo de casi puras mujeres, siendo en su totalidad, un conjunto musical dotado de conocimiento y experiencia en el arte de la música clásica, y la sensibilidad que el estilo requiere. Entonces, la música de Aranis es un estilo del RIO muy refinado con muchos arreglos de música de cámara suave y melódica, con selectos momentos enérgicos que, en gran contraste con otras bandas del género, nunca llega a ser una experiencia molesta (las bandas citadas no son audibles por el público común) ni exige tener un oído entrenado en en el género, sino que es completamente accesible, como si se tratase de cualquier obra de la música clásica tradicional. De esta manera, todo el detalle compositivo e interpretativo está dentro de un contexto de belleza musical pura, a través de temas calmos bastante agradables e inspiradores, mismos que van teniendo como protagonista a los violines. El aspecto vocal es bastante complementario tratándose de la propuesta de la banda, pero los cantos --sólo usados en dos temas-- van muy bien conjugados con el predominante componente instrumental.

(Links en mediafire y rapidshare sobre la portada y en los comentarios)

Tracks Listing
1. Indrigo (6:02)
2. Jona (4:16)
3. Vuur (6:52)
4. Yosu (5:27)
5. Oyma (6:07)
6. Zilezi (15:13)
7. Questosteron (4:29)
8. Pantra (5:36)
9. Labyrinth (4:02)
10. Wespengraf (4:49)

Line-up
- Jana Arns / flute
- Liesbeth Lambrecht / violin
- Linde de Groof / violin
- Marjolein Cools / accordion
- Axelle Kennes / piano
- Stijn Denys / guitar
- Joris Vanvinckenroye / double bass

2005/Ohm/"Amino Acid Flashback"

Segundo álbum de los estadounidenses intérpretes de Jazz Rock, Ohm. El cambio de baterista le vino bastante bien a esta banda, ahora con Kofi Baker reemplazando a David Eagle. Y esto es porque la participación de Baker, si bien no llega a ser completamente dominante, al menos ya se hace notable un trabajado destacado de la batería, sobre todo en temas como "Icarus Falls" y "Skint". Un guitarreo por momentos experimental y con marcadas tendencias al metal progresivo se empieza a hacer evidente, sin llegar a convertirse en ningún momento en un disco de metal/fusion. El bajo sigue aún las enseñanzas de la técnica de Jaco Pastorious, y aquí se vuelve un elemento mucho más a favor que en el primer disco, por asumir un papel menos secundario que la guitarra. De hecho, es en este disco que el trío se organiza para dar paso a desarrollos instrumentales de mayor improvisación, pero sin poner especial énfasis en ningún instrumento, sino que ahora cada uno tendría su lugar y haría su respectiva y admirable participación virtuosa. Otro giro interesante, es que los temas estarían menos dirigidos a secciones melódicas, y en cambio realzaron su componente improvisatorio con mucha energía y usando bases rítmicas por lo general complejas.

(Links en mediafire y rapidshare sobre la portada y en los comentarios)

Tracklist
1. DaVinci (2:57)
2. Tara (3:58)
3. William’s Amino Acid Flashback (3:32)
4. What If… (3:47)
5. Joog in da Boot (3:13)
6. Compass of the Heart (4:04)
7. Icarus Falls (3:44)
8. Rooms of Telemetry (4:32)
9. Skint (3:16)
10. Spun (6:44)
11. Tattoo (3:32)

Line-up
- Chris Poland (Guitarra)
- Robertino Pagliari (Bajo)
- Kofi Baker (Batería)

2009/Univers Zero: "Relaps: Archives 1984-1986"

Relaps es una publicación oficial reciente que recopila temas grabados en vivo en distintos momentos y lugares durante la etapa 1984-1986 de Univers Zero, motivo por el cual se abarcan temas de sus álbums Uzed y Heatwave.
Éstos conciertos fueron grabados en algunas locaciones del país natal de la banda: Bélgica, y también algunos tomados desde Alemania. Se incluye una versión libre más experimental y rápida del tema "L’Etrange Mixture du Docteur Schwartz", el cual apareció originalmente en Uzed. La excelente calidad interpretativa de Denis y compañía se hace notar sobre todo en "The Funeral Plain", el tema de mayor duración y de una complejidad difícil de asimilar por sus diversos pasajes instrumentales que van desde lo más tranquilo o melódico hasta llegar a toda una locura llena de estruendos, donde se va intensificando el sonido de todos los instrumentos. Incluye también uno de los más grandes clásicos de UZ, "Pressage", con su característica y mística melodía de piano, su estructura cambiante, su rítmica pulida y su armonía tan bien trabajada.
En resumen, un compilado infaltable en cualquier colección de Univers Zero, pero se recomienda sobre todo si les agrada Uzed o Heatwave.

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Track List
1. L’Etrange Mixture du Docteur Schwartz
2. Presage
3. Parade
4. Ligne Claire
5. Emanations
6. Heatwave
7. The Funeral Plain
8. L’Etrange Mixture du Docteur Schwartz (free-style version)

Line-up
Michel Delory – guitar (5, 6, 7, 8)
Daniel Denis – drums
Dirck Descheemaeker – soprano sax, clarinet, bass clarinet
Christian Genet – bass
Patrick Hanappier – violin, viola (5, 6, 7, 8)
Andy Kirk – keyboards (5, 6, 7, 8)
André Mergen - cello, alto sax, voice (1, 2, 3, 4)
Jean-Luc Plouvier – keyboards

2003/Ohm/"Ohm"

Ohm es una banda estadounidense formada en el 2002 por Chris Poland (guitarrista), Robertino Pagliari (bajista) y David Eagle (baterista), este último sería reemplazado en 2005 por Kofi Baker, hijo de Ginger Baker, baterista del grupo Cream (mítica banda sesentera, en la cual participaba Eric Clapton). Chris Poland es un ex-miembro de la banda de Heavy y Thrash Metal, Megadeth, de aquí viene el hecho de que el último trabajo de Ohm tenga marcadas tendencias al metal. Pero antes de la etapa del Ohm metalero, tuvieron dos primeros discos dedicados a crear un Jazz Rock muy melódico, con ciertos momentos de improvisación, armonía perfecta entre el trío e influencias en el bajo de Jaco Pastorious. Su primer disco es el homónimo que se presenta a contiunación, se trata, principalmente, de un guitarreo espectacular, de hecho, casi todos los temas tienen al guitarrista de protagnista, tocando riffs suaves, solos moderadamente virtuosos y siempre llevados a ejecución con gran emoción. El bajista no se comforma con sólo acompañar y su interpretación en los temas "Iguana" o "Bastille Day" es bastante notable, de hecho es parte sustancial y si demuestra inspiración en la gran técnica del maestro Jaco Pastorious. La batería, al menos yo la percibo más secundaria en este disco, no es floja pero no le hayo momentos donde se destaque al 100% y sobresalga entre los otros dos instrumentos.
Un disco con un sonido fresco, melódico, enérgico y agradable es de lo que se trata el debút de Ohm, recomendado si prefieren la pureza del Jazz Rock que las mezclas modernas de este género con Metal Progresivo, lo cual si existe en el último álbum de esta banda norteamericana.

(Links en mediafire y rapidshare sobre la portada y en los comentarios)

Tracklist
1. Peanut Buddha (3:34)
2. Where’s My Hat? (3:12)
3. Id (3:31)
4. Love Song (4:27)
5. Came To Believe (3:08)
6. Between Us (3:59)
7. Iguana (3:15)
8. Sister Cheryl (4:36)
9. Brandenberg Gate (5:37)
10. Bastille Day (4:07)
11. Mountain (4:20)
12. Search For The Suicide King (5:49)
13. Ohmage (4:21)

Line-up
- Chris Poland (Guitarra)
- Robertion Pagliari (Bajo)
- David Eagle (Bateria)

1977/Stormy Six/"L' Apprendista"

El término Rock In Opposition se remonta al mítico festival de Londrés, Inlgaterra en 1978, donde cinco grandes agrupaciones dieron inicio a toda una nueva época dorada para el rock progresivo y para la música en general: Univers Zero de Bélgica, Etron Fou Leloublan de Francia, Henry Cow de Inglaterra, Samla Mammas Manna de Suecia y Stormy Six de Italia. Mientras que la mayoría de éstas bandas y algunas otras no menos importantes como Art Zoyd, apostaban por un estilo de RIO muy caótico, con muchos cambios, estruendos, sonoridades y composiciones muy experimentales, Stormy Six inicio originalmente como una banda de folk y elementos psicodélicos que poco a poco se iriían andentrando en composiciones de vanguardia, pero aún manteniendo el carácter suave, melódico y accesible que muchas agrupaciones de éste genero no comparten. L' Apprendista es su sexto álbum y se considera el primero en incorporar composiciones más típicas del RIO/Avant Garde, pero con estilo demasiado propio, que abarca algunas melodías de jazz, excelente participación vocal y predominio de los violines y violas en casi todos los temas. Lamentablemente, ésta excelente y elegante banda se fue en decadencia en su octavo álbum de 1982, y posteriormente desaparecieron; pero siguen siendo recordados como uno de los progenitores y más trascendentes músicos del RIO.

(Links en mediafire y rapidshare sobre la portada y en los comentarios)

Tracks Listing
1. Buon Lavoro! (5:12)
2. L'Apprendista (5:39)
3. Carmine (5:53)
4. Il Barbiere (7:39)
5. Cuore (5:51)
6. Il Labirinto (8:25)
7. Rosso (3:02)
8. L'Orchestra dei Fischietti (6:29)

Line-up
- Giorgio Albani / sound technician
- Carlo de Martini / violin, viola, mandolin, acoustic guitars, vocals
- Franco Fabbri / vocals, acoustic and electric guitars, vibraphone, xylophone
- Umberto Fiori / vocals, acoustic guitars
- Salvatore Garau / drums
- Tommaso Leddi / mandolin, violin, acoustic and electric guitars, piano
- Luca Piscicelli / bass, vocals

With:
- Pino Martini / bass
- Renato Rivolta / saxophones
- Leo Dosso / bassoons
- Bruno Fraimini / percussion
- Gianfranco Gagliardi / tastiere
- Cristina Pederiva / viola

2008/7 For 4/"Diffusion"

7 For 4 es una banda moderna originaria de Alemania, formada por cuatro músicos muy talentosos y que ya tienen una buena formación musical.
Su estilo es predominantemente Jazz Fusion y Metal Progresivo, pero también incluyen en menor medida cierto toque de "música gypsy" y ritmos de la musica brasileña. Cabe destacar en su último trabajo, Diffusion, la participación virtuosa del guitarrista Wolfgang Zenk, quien toca muy buenos solos pero además también interpreta algunos riffs más acústicos o suaves. La propuesta de 7 For 4 en éste último álbum se enfoca en combinar y complementar de forma inteligente los pasajes sonoros tranquilos, ambientales y más cercanos al Jazz Fusion (donde el teclado juega un papel importante), y por otro lado está la parte fuerte y virtuosa de la guitarra, bajo y batería para propósitos de un metal progresivo enérgico y más rápido. Finalmente, queda decir que ésta banda se suma al movimiento moderno del Jazz Fusion y Metal que ponen en práctica una buena cantidad de músicos, como Gordian Knot, Panzerballett, Planet X y Ohm.

(Link en rapidshare sobre la portada y en los comentarios)

Temas:
1. Diffusion
2. Indigo Dunes
3. Emoctify
4. The Winding Path
5. Silent Flow
6. Cyclotron
7. Spiral Dance
8. Hidden Depths
9. Mystic Mouse

Músicos
- Wolfgang Zenk / guitar
- Markus Grützner / bass
- Klaus Engl / drums
- Markus Froschmeier / keyboards

2001/Attention Deficit/"The Idiot King"

Estados Unidos, 2001. Y para concluir, el segundo álbum, igual de bueno que el primero del proyecto jazz-rock fusión Attention Deficit, que como les comentaba en el post pasado, tienen un buen pasado. Dicen que para tener la lengua larga debes tener la lengua corta, pero en los músicos esto no debe aplicar: Manring (de Michael Hedges) en el bajo, Alexander (ex-Primus) en la batería y Skolnick (de Testament) en la guitarra son músicos que eventualmente se tenían que dedicar a hacer este tipo de música tan interesante trayendo al mundo del jazz fusión, su experiencia como grandes músicos en su entorno, pero que con esta música nos hacen pensar que les quedaban pequeños los zapatos. Gracias a todos por seguir el blog, bienvenidos los nuevos, y 1000 gracias por sus comentarios, nos alimentan. Les dejo de muestra el tema 'Unclear Inarticulate Things' por si desean escuchar mas antes de bajarlo, recordándoles como siempre, adquirir el material original ASAP.

(Link en rapidshare a 320 kbps en los comentarios o sobre el perro)

Songs / Tracks Listing:
1. American Jingo (4:04)
2. Any Unforseen Event (3:10)
3. The Risk of Failure (7:41)
4. Low Voter Turnout (4:47)
5. Unclear, Inarticulate Things (4:05)
6. RSVP (7:53)
7. My Fellow Astronauts (4:04)
8. Dubya (7:12)
9. The Killers Are To Blame (4:24)
10. Nightmare on 48th St. (3:41)
11. Public Speaking is Very Easy (2:03)

Total Time: 53:04

Line-up / Musicians:
- Alex Skolnick / guitars
- Tim Alexander / drums
- Michael Manring / bass, loops

1998/Attention Deficit/"Attention Deficit"

Estados Unidos, 1998. Solo quería volver a publicar estos dos discos que comprenden la discografía del proyecto jazz fusión Attention Deficit, de Alex Skolnick en la guitarra, Michael Manring en el bajo y Tim "Herb" Alexander en la batería, que aunque son músicos que se dedican al metal, pero en este proyecto dejan ver su lado mas estructurado y virtuoso. Ya los había publicado en el blog anterior, pero siento que deben ser infaltables en cualquier discogafía respetable. Tal vez son ya muy conocidos, o los descargaron del rock-privado, pero también son muy buenos. Espero les agrade.

(Links en mediafire a 320 kbps y rapidshare en los comentarios o sobre la tapa del álbum)

Songs / Tracks Listing:
1. ATM (2:55)
2. An Exchange Of Niceties (2:33)
3. Scapula (5:13)
4. Snip (0:22)
5. It's Over, Johnny (3:31)
6. TMA (2:02)
7. Fly, Pelican, Fly (11:55)
8. Febrile (2:52)
9. MAT (3:18)
10. Wrong (0:47)
11. The Girl From Enchilada (2:35)
12. Merton Hanks (3:21)
13. Ill Fated Conspiracy (3:07)
14. The Blood Room (3:20)
15. Festivus (0:10)
16. Khamsin (1:39)
17. Lydia (3:43)
18. Say Hello To My Little Friend (3:01)

Total Time: 56:24

Line-up / Musicians:
- Alex Skolnick / guitars
- Tim Alexander / drums
- Michael Manring / bass, loops

2004/Astro Can Caravan/"21st Century Drifting Episode"

Hasta aquí llega la naciente discografía de Astro Can Caravan, la orquesta jazzística de origen finlandés cuyo primer disco ya hemos publicado. 21st Century Drifting Episode es apenas su segundo álbum de estudio y nuevamente presenta más variaciones y novedades compositivas interesantes. Como buenos músicos del Avant-Garde Jazz, no se conforman con los estilos y esquemas típicos del género, sino que se dedican a la exploración continua de sonidos y composiciones que hagan al jazz evolucionar. El primer disco ya incluía un poco de efectos raros de sintetizador, pero aquí ya lo usan con más habilidad, donde generan ciertos trances musicales de una especie de ambient/space rock, beats modernos de electrónica y ésto lo conjugan con maestría con las melodías que interpretan los metales: saxos y trompetas se pueden fundir para funcionar como si fueran uno sólo. Temas principalmente impresionantes son el primero: Tungar Tudu, en donde de repente entra en juego una improvisación completa de la orquesta pero más tarde y de forma impredecible se regresan al ritmo y melodía principal, esto nos demuestra la perfecta organización de los músicos que involucar tener cierto nivel de perfeccionismo. No menos importante es la energía tan extrema con que interpretan Moon Boots, las percusiones agarran poder y golpean fuertemente y un breve pero bien ejecutado sólo de guitarra nos toma por sorpresa, para más tarde dar paso unos saxos insanos de free-jazz, increíble para ser un tema de poco menos de dos minutos. Otro de mis favoritos es Meteor Shower Geel, ahora con protagonismo de una fina melodía de clarinete, en donde quedan muy bien plasmados los juegos y experimentos con el sintetizador.
Al escuchar estos dos primeros álbums de Astro Can Caravan, ya no debe quedarnos duda que estos finlandeses tienen demasiado talento y un futuro brillante asegurado en el mundo del jazz y la vanguardia.

(Links en mediafire y rapidshare sobre la portada y en los comentarios)

Track List
1. Tungar Tudu (6:21)
2. Mad Oracle (2:56)
3. De Revolutionibus Orbium Coelestium (6:17)
4. Beef Jeans (4:27)
5. Dark Bravos (4:16)
6. Moon Boots (1:40)
7. Tapernaakkeli (4:23)
8. The Scale of Anubis (5:11)
9. Meteor Shower Geel (4:17)
10. Kohoutek (9:47)

Line-up
- Otto Eskelinen / piano, organ, accordion, synthesizer, bandoneón
- Pharaoh Pirttikangas / synthesizer, guitar
- Joonas Hytti / trumpet, euphonium
- Tuomas Eriksson / trombone
- Joakim Berghall / soprano saxophone, alto saxophone, tenor saxophone, baritone saxophone
- Tomi Kosonen / tenor saxophone, baritone saxophone
- Veli-Pekka Parkkinen / clarinet
- Suvi Pappi / bass clarinet, flute
- Arvi Hasu / bass
- Niko Votkin / drums
- Jari-Pekka Hautalampi / drums, percussion
- Torsti Tuovinen / percussion
- Jarkko Pellikka / trumpet
- Samuli Peltoniemi / trumpet
- Artturi Taira / alto saxophone, baritone saxophone
- Tapani Varis / baritone saxophone, bass
- Henna Karhunen / oboe
- Emil Luukkonen / electric piano, synthesizer
- Pentti Dassum / guitar, mandolin
- Jape Karjalainen / percussion, bass
- Teemu Mäenpää / percussion
- Rasmus Pailos / percussion

1996/Magma/"Concert 1971, Bruxelles - Théâtre 140"

El día de hoy no tenía planeado publicar más, sin embargo hay varias buenas razones por las cuales debo traerles este disco en vivo. Una de ellas es que Magma está celebrando, junto con Henry Cow, King Crimson, y varios más, cuarenta años transcurridos desde que se formaran. Pero lo que realmente me mueve a publicar este disco es que, precisamente el día de hoy, 12 de noviembre, pero de hace 38 años, en 1971, fue cuando Magma diera este concierto en Bruselas, Bélgica. Es difícil de creer pero es 100% verídico, son 38 años exactitos desde aquel concierto suyo, puede que ellos ni se acuerden, pero para los más fanáticos es muy significativo por varios motivos. El primero de ellos es que es la primera publicación oficial en su discografía de un concierto tan antiguo, con la alineación del álbum 1001° Centigrades que incluye entre otros músicos, a Klaus Blasquiz, Yochk'O Seffer y Francois Cahen, ¿les suenan los nombres? El vocalista Blasquiz fue uno de los miembros de Magma que perteneció más tiempo con ellos, desde el primer álbum hasta Attahk (1978). Seffer y Cahen son los instrumentistas del proyecto post-magmático ZAO, que ya publiqué hace algún tiempo.
Regresando con el disco, otra razón que hace este concierto muy valioso, es que es la primera vez que interpretaron en vivo la canción "Mekanïk Kommandöh", tema que sirvió como base para el desarrollo de la que se considerara su obra cumbre, Mekanïk Destructuïw. Kommandöh.
El único punto bajo de esta reliquia, es que la calidad de audio con que fue grabada no es muy buena, y sin embargo vale muchísimo la pena hacerse de ella por lo que contiene en sí: dos canciones del álbum Kobaïa, los tres temas completos que conforman 1001° Centigrades y la versión preliminar de Mekanïk Kommandöh, en ese orden.
Pero, más allá del valor histórico de esta antigua grabación, se trata de música realmente buena y los padres del zeuhl no nos quedan a deber nada, todos los temas, como siempre, los llevan a ejecución con maestría y fluidez, con el nivel de profesionalismo característico de ellos.
Hay mucho jazz fino, de secciones suaves y otras de mayor intensidad, esto se ve sobre todo en los tracks 3-6, que involucran desarrollos instrumentales largos y complejos que por consiguiente requieren de una habilidad compositiva de alto nivel. Cahen, Seffer y Vander se destacan muy bien en esta parte del concierto.
Los momentos dedicados a la ya entonces entrenada voz de Blasquiz son en las canciones de Kobaïa que abren el concierto, y luego más tarde en "Mekanik Kommandoh".
Entonces, no importa si no somos fans de Magma, pero si les gusta aunque sea un poquito el zeuhl, es vital escuchar y conocer esta pieza histórica de la banda que hizo nacer el estilo musical que ya muchos músicos alrededor del mundo han seguido y han ido moldeando a su gusto a través de las décadas.

(Links en mediafire y rapidshare sobre la portada y en los comentarios)

Tracks Listing
1. Stoah (5:23)
2. Kobaia (7:24)
3. Aina (6:17)
4. Riah Sahiltaahk (19:09)
5. Iss Lansei Doia (11:20)
6. Ki Iahl O Liahk (9:36)
7. Sowiloi (Soi Soi) (6:58)
8. Mekanik Kommandoh (for the very first time live) (17:19)

Line-up
- Christian Vander / drums, vocals, organ, percussion
- Francis Moze / bass
- Klaus Basquiz / vocals, percussion
- Teddy Lasry / clarinet, sax, flute, vocals
- Jeff Seffer / sax, bass clarinet
- Louis Toesca / trumpet
- Francois Cahen / acoustic & electric piano

2003/Roletta Secohan/"Record of Growth"

Japón, 2003. Fue la única imagen que encontré para representar este disco. Ayer, actualizando los links hacia enlaces amigos al blog, me topé con una página que no visitaba hace mucho tiempo: Aerolineas M.I.R.A. Ahí colgaron un disco que llamó mi atención por llamarlos los "White Stripes Japoneses". Lo descargué, y hasta hoy lo escuché. A mi entender, Roletta Secohan es algo mas que los WS, es una banda de jazz mas evolucionado, por que para empezar, una de las características del jazz es que su música pueda ser interpretada minimalistamente en cuanto a instrumentación, siempre y cuando el concepto y el feeling sean acorde a lo que se quiere transmitir. Este grupo japonés nos da una cátedra de lo que es el jazz moderno con este álbum que parece ser un demo, una versión 0.5 de un álbum que aún no han lanzado, pero que vale la pena esperar si continúan con este concepto. A diferencia de los hermanitos WS, este grupo está conformado actualmente por tres músicos, sax alto, batería y guitarra, aunque inicialmente sí eran solo sax y batería, como lo muestran varias fotos. Es un álbum muy corto en duración, pero para el grupo es una marca de crecimiento profesional con tiza sobre el gigantesco árbol de la música, y ¿saben qué?... lo hacen muy bien. Ojalá pronto tengan un álbum oficial que les podamos compartir. Espero les agrade tanto como a mi. Aquí les dejo otro videíto.

(Link en mediafire en mp3 VBR en los comentarios o sobre el la imagen)

Temas:
01．フラフラ
02．タランチュラ
03．即説咒曰
04．地の果て
05．三連短
06．閉ざされた世界
07．尻上り
08．サティスフィクション
09．巨大迷路
10．偉業
11．Work for nothing
12．6667
13．再々構築
14．ニュー ラテンクオーター

Músicos:
出利葉信之 (alto sax)
田中徳崇 (drums)
梶山剛 (guitar)

2009/Henry Cow/"The Road: Volumes 1-5 (40th Anniversary Box Set)"

Henry Cow celebra sus cuarenta años desde su formación con dos cajas de 5 discos cada una, que incluyen material grabado en vivo de buena calidad de audio, y ayudan a entender principalmente dos aspectos: la habilidad improvisatoria e interpretativa de la banda a mayor escala y la evolución desde antes de que grabaran Legend (álbum debút) en 1971, hasta sus etapas finales en 1978.
La primera caja abarca conciertos desde el año 1971 hasta 1976, y difiere mucho un volumen del otro por ciertos cambios en la alineación (la salida de John Greaves y la entrada de Lindsay Cooper, por ejemplo), además de que no se trata de las mismas locaciones ni mismas tendencias musicales. El Volumen 1: Beginings contiene algunos ensayos previos a Legend, con temas aún no terminados como Tennbeat y Amygdala. Este primer disco del boxset tiene cierta influencia canterburyana de Soft Machine y nos muestra el interés de Fred Frith por escribir letras de canciones y además cantarlas, se trata de canciones que ya no incluyeron en sus álbums de estudio como "Rapt in a Blanket".
El Volumen 2: Early, son tomas de conciertos de origen aún desconocido, de los años 1974 y 1975. Aquí ya contaban con la presencia de Lindsay Cooper, una intérprete de oboe y fagot con un buen entrenamiento en música clásica. Lindsay le dió un buen giro a la música de Henry Cow al acercarlos más a la vanguardia contemporánea que al jazz. El voumen 2 refleja bastante bien esto e incluye algunos temas del álbum Unrest, pero con ciertas variaciones interesantes.
El Volumen 3: Hamburg, como su nombre sugiere, es un concierto en Hamburg, Alemania, del año 1976, pero además trae dos canciones extra tomadas en 1975 en las ciudades de Paris y Roma, con la colaboración de nada menos que Robert Wyatt. En estos años Henry Cow contaba con la cantante Dagmar Krausse, la cual nuevamente ayudó a reinventarlos y a incluir canciones como tal en su repertorio, además de los complejos desarrollos instrumentales que ya venían haciendo.
Finalmente, los Volúmenes 4 y 5 consisten en un concierto en Trondheim, Noruega, del año 1976. En este tour Greaves ya estaba fuera de la agrupación y Krausse estaba enferma, por lo que la banda tuvo que seguir como un cuarteto conformado por Fred Frith, Chris Cutler, Lindsay Cooper y Tim Hodgkingson. Este par de volúmenes son la más grande rareza de la primer caja, al tratarse de puras improvisaciones ejecutadas en la oscuridad (apenas se alumbraba con velas); de extrañas sonoridades y alto nivel de experimentación.
Hasta aquí llegamos con la primera caja de volúmenes por la conmemoración de los 40 años desde la formación de Henry Cow, esperamos que la disfruten y le encuentren los detalles musicales interesantes que tanto nos ofrece.

(Nuevos links en mediafire y rapidshare en los comentarios)

Volume 1: Beginnings

Track List
1. Pre-Teenbeat I (1:44)
2. Pre-Teenbeat II (1:28)
3. Rapt in a Blanket (5:06)
4. Came to See You (6:43)
5. Amygdala [pre-Legend demo] (3:35)
6. Teenbeat (10:19)
7. Citizen King (5:21)
8. Nirvana for Moles (4:09)

With the Yellow half Moon and Blue Star

9. Introduction (0:46)
10. Invocation (2:08)
11. Demi-lune jaune (2:10)
12. Three Little Steps (2:13)
13. Red Riff (1:50)
14. Chorale flautando (1:51)
15. Cycling over the cliff (4:08)
16. First Light (0:51)

Guider tells of Silent Airborne Machine

17. Olwyn Grainger (2:24)
18. Betty McGowan (6:12)
19. Lottie Hare (1:24)

Line-up
- Chris Cutler / drums, piano (start of 18)
- Fred Frith / guitar, violin, voice (3, 4)
- John Greaves / bass, piano (end of 18, 19), voice (7, 18)
- Tim Hodgkinson / organ, alto sax, melodica, clarinet, voice (7)
- Geoff Leigh / tenor sax, flute, voice (7, 9, 16 - not on tracks 3 & 4)

Volume 2: 1974-5

Track List
1. Introduction (1:52)
2. Ruins I (6:35)
3. Half Asleep, Half Awake (4:11)
4. Ruins II (0:59)
5. Heron Shower Over Hamburg (2:29)
6. Nix (0.06)
7. Halsteren 1 (1:08)
8. Solo 1 (1:08)
9. Solo Extension 1 (2:21)
10. Halsteren 2 (1:24)
11. Extension 1 (0:17)
12. Halsteren 3 (0:52)
13. First Suspension (4:28)
14. Extension 2 (2:58)
15. Extension 3 (1:19)
16. Solo 2 (1:20)
17. Solo Extension 2 (2:32)
18. Halsteren 4 (0:17)
19. Second Suspension (2:34)
20. Extension 4 (1:58)
21. Solo 3 (0:49)
22. Solo Extension 3 (3:17)
23. Hasteren 5 (1:21)
24-32 Living in the Heart of the Beast (13:46)

Lineup
Tracks 1-5:
- Lindsay Cooper / oboe, bassoon
- Chris Cutler / drums
- Fred Frith / guitar, viola, piano (1)
- John Greaves / bass, piano (3)
- Tim Hodgkinson / organ, alto sax

Tracks 7-23:
- Chris Cutler / drums, glass bowls, clatter
- Fred Frith / electric guitar, acoustic guitar, prism
- John Greaves / bass, clothes pegs
- Tim Hodgkinson / organ, clarinet, also sax

Tracks 24-32:
- Lindsay Cooper / oboe, bassoon, piano
- Chris Cutler / drums
- Fred Frith / guitar, viola, xylophone
- John Greaves / bass
- Tim Hodgkinson / organ, alto sax
- Dagmar Krause / voice

Guest:
Robert Wyatt / voice (28, 32)

Volume 3: Hamburg

Track List
1. Fair as the Moon (6:01)
2. Nirvana for Rabbits (4:48)
3. Ottawa Song (3:41)
4. Twilight bridge (2:04)
5. Gloria Gloom (2:17)
6. Hamburg 1 (4:15)
7. Hamburg 2 (3:27)
8. Red Noise10 (3:16)
9. Hamburg 3 (5:30)
10. Hamburg 4 (2:40)
11. Hamburg 5 (5:25)
12. Terrible as an army with Banners (3:34)
13. A Heart (9:03)
14. Little Red Riding Hood Hit the Road (5:12)
15. We Did It Again (6:31)

Line-up
- Chris Cutler / drums
- Lindsay Cooper / oboe, bassoon, piano (8, 9, 10, 11)
- Fred Frith / guitar, piano (1, 4, 12, 13)
- John Greaves / bass, voice (3)
- Tim Hodgkinson / organ, alto sax
- Dagmar Krause / voice

Volume 4 & 5: Trondheim

Track List
CD 1
1-10. Trondheim I (48:25)

CD 2
1-6. Trondheim II (31:54)
7. The March (6:25)

Line-up
CD 1
- Lindsay Cooper / recorder, oboe, bassoon, flute, piano (7, 8, 9), tapes, voice
- Chris Cutler / drums, flotsam, telephone mouthpieces, amplification, voice
- Fred Frith / guitar, violin, 6-string bass, xylophone, tubular bells, tapes
- Tim Hodgkinson / organ, clarinet, voice, tapes

CD 2
- Lindsay Cooper / oboe, bassoon, jaw harp, voice, tapes
- Chris Cutler / drums, jetsam, telephone mouthpieces, amplification, piano
- Fred Frith / guitar, 6-string bass, xylophone, tapes
- Tim Hodgkinson / organ, clarinet, alto sax, mbira, voice, tapes

2006/"Various Artists/"Butchering The Beatles: A Headbashing Tribute"

Una vez obtenida la autorización de nuestro amigo, La Noche, les presentamos un tributo muy sui generis al cuarteto de Liverpool: The Beatles.

En una de sus aportaciones, La Noche comentó que a su futuro(a) primogénito(a) le pone música de la mencionada banda y recordé que entre mi archivo digital, tenía este material en el que diversos músicos (principalmente de Heavy Metal y otras variantes) hacen covers a diversas canciones de la banda.

A los seguidores más conservadores de The Beatles, probablemente no les agrade mucho lo que se ha hecho con la música de la banda pero como le comentaba a La Noche, uno de los méritos que tiene este tributo (en mi opinión) es que no trata de ser una calca de lo realizado por los de Liverpool, pues las versiones aquí presentadas son realizadas con un toque claramente más pesado a las originales.

Otra de las razones por las que creí pertinente, y que podrían interesarle a La Noche, es la participación de Tony Levin (quien fungiera como bajista en la banda de John Lennon), Steve Vai y Steve Stevens, de quienes La Noche publicó bastante material en Rock-Privado.

Espero les guste.

(Link en mediafire o sobre los Beatles carniceros o en los comentarios)

Temas e interpretes:

1. Hey Bulldog - Alice Cooper, vox; Steve Vai, guitars; Duff McKagen (Velvet Revolver / Guns N Roses), bass; Mikkey Dee (Motorhead), drums

02. Back In The USSR - Lemmy Kilmister (Motorhead), vox/bass; John5 (Marilyn Manson / Rob Zombie), guitars; Eric Singer (Kiss / Alice Cooper), drums

03. Lucy In The Sky With Diamonds - Geoff Tate (Queensryche), vox; Michael Wilton (Queensryche), guitar; Craig Goldy (Dio), guitar; Rudy Sarzo (Dio), bass; Simon Wright (Dio), drums; Scott Warren (Dio), keys

04. Tomorrow Never Knows - Billy Idol, vox; Steve Stevens (Billy Idol), guitars; Blasko (Ozzy Osbourne), bass; Brian Tichy (Billy Idol), drums

05. Magical Mystery Tour - Jeff Scott Soto (Yngwie Malmsteen / Soul Sirkus), vox; Yngwie Malmsteen (Rising Force / Alcatrazz), lead guitar; Bob Kulick, (Meat Loaf / Paul Stanley Band), rhythm guitar; Jeff Pilson (Dokken / Foreigner), bass; Frankie Banali (Wasp / Quiet Riot), drums

06. Revolution - Billy Gibbons (ZZ Top), vox / guitar; Vivian Campbell (Def Leppard), guitar; Mike Porcaro (Toto), bass; Gregg Bisonnette (David Lee Roth / Ringo Starr Band), drums; Joseph Fazzio (Superjoint Ritual), drums

07. Day Tripper - Jack Blades (Night Ranger / Damn Yankees), vox; Tommy Shaw (Styx / Damn Yankees), vox; Doug Aldrich (Whitesnake / Dio), guitars; Marco Mendoza (Whitesnake / Thin Lizzy), bass; Virgil Donati (Steve Vai / Soul Sirkus / Planet X), drums

08. I Feel Fine - John Bush (Anthrax), vox; Stephen Carpenter (Deftones), guitar; Mike Inez (Ozzy Osbourne / Alice In Chains), bass; John Tempesta (The Cult / Testament), drums

09. Taxman - Doug Pinnick (Kings X), vox; Steve Lukather (Toto), guitar; Tony Levin (John Lennon / Peter Gabriel), bass; Steve Ferrone (Eric Clapton / Tom Petty), drums

10. I Saw Her Standing There - John Corabi (Motley Crue), vox; Phil Campbell (Motorhead), guitar; C.C. Deville (Poison), guitar; Chris Chaney (Jane's Addiction), bass; Kenny Aronoff (Smashing Pumpkins / Jon Bon Jovi), drums

11. Hey Jude - Tim "Ripper" Owens (Judas Priest / Iced Earth), vox; George Lynch (Dokken / Lynch Mob), guitar; Bob Kulick (Meat Loaf / Paul Stanley Band), rhythm guitar; Tim Bogert (Vanilla Fudge / Beck / Bogert & Appice), bass; Chris Slade (AC/DC), drums

12. Drive My Car - Kip Winger (Winger), vox; Bruce Kulick (Kiss / Grand Funk), guitar; Tony Franklin (The Firm / Whitesnake), bass; Aynsley Dunbar (Whitesnake / Journey), drums

2009/Adrian Belew/"e"

Estados Unidos, 2009. Álbumes del '09. En julio de este año vio la luz el álbum "e" del maravilloso músico Adrian Belew como solista, pero en compañía de los hermanitos Slick, como en su "Side Four" del año antepasado. ¿Recuerdan que les decía que nos hemos olvidado un poco de ellos?. Se trata de un álbum excelente, con mucha influencia a la King Crimson del álbum "The ConstruKction of Light", pero siguiendo el ritmo de la carrera del Adrian Belew Power Trio. Se trata, en palabras del mismo Belew, de una sola suite extendida en 5 diferentes pero relacionadas partes, denominadas con letras del abecedario, y subdivididas con números. mas información en el blog de Adrian Belew: Elephant Blog. También les comento que nos van a actualizar las mac acá en el trabajo, lo que me obligó a hacer backup de todos los discos, y aportes que tenía en la mac, así que estaré publicando con menos periodicidad, pero lo seguiré intentando. Según esto, nos traen las nuevas mac a principios de diciembre. Espero les agrada uno de los mejores álbumes del año en curso, obviamente pidiéndoles que si les agrada, lo adquieran en su tienda preferida.

(Link en mediafire en mp3 VBR en los comentarios o sobre la e)

Track listing:
1. "a"
2. "a2"
3. "a3"
4. "b"
5. "b2"
6. "b3"
7. "c"
8. "d"
9. "d2"
10. "e"
11. "e2"

Personnel:
* Adrian Belew - Guitars
* Julie Slick - Bass
* Eric Slick - Drums

2001/David Fiuczynski's Headless Torsos/"Amandala"

David Fiuczynski es un guitarrista de origen americano que interpreta principalmente jazz, aunque en sus diversos proyectos también ha experimentado con estilos diferentes como el funk, punk, rap y avant-garde rock. Ha tocado en más de 95 álbums, ya sea como músico de sesión, líder de banda o miembro. Su proyecto más conocido y exitoso es Screaming Headless Torsos, una banda muy experimental y de influencias eclécticas que surgió en los noventas, donde se interpretaba una mezcla inteligente de avant-funk-jazz rock. En el 2001, David lanza Amandala, pero ahora bajo el nombre de David Fiuczynski's Headless Torsos, que en sus propias palabras, es una continuación instrumental de SHT. Éste disco es verdaderamente interesante, no sólo hay virtuosismo en la guitarra, las percusiones sorpredenden y sobresalen bastante, muy experimentales, algo tribales, y aportan geniales ritmos. Es un álbum muy enérgico en ciertos momentos pero también incluye secciones más tranquilas con riffs de guitarra suaves, típicos de los guitarristas de Jazz Fusion.

(Links en mediafire y rapidshare en los comentarios)

Tracklist:
1.Amandala
2.Torsos Jungle
3.Shannon's Kitchen
4.Leftovers
5.My Heavy Heart
6.Fallout Shelter
7.Cherry Red
8.Pattern 178
9.Kiss That Whispers
10.Purple

Line-up:
David "Fuze" Fiuczynski (guitar)
Fima Ephron (bass)
Gene Lake (drums)
Daniel Sadownick (percussion)

1978/Heldon/"Interface"

Con este álbum completamos 100 discos publicados en este blog, creo que vamos a un buen ritmo y en poco tiempo lo hicimos renacer, y eso que todavía hay bastante música para compartir.
En fin, siguiendo un poco con las tendencias electrónicas, me parece que no podíamos dejar fuera a Heldon, un grupo francés de los progenitores del llamado progresivo electrónico. Como dato de interés, esta banda es lideriada por el multi-instrumentista Richard Pinhas, a veces apodado, "El Fripp Francés" (y no es en vano), pero se hace acompañar de otro gran músico: Patrick Gauthier, un intérprete principalmente de teclados y sintetizador que antes había trabajado para Magma en su álbum Üdü Wüdü, y además fue una de las principales mentes detrás del proyecto post-magmático conocido como Weidorje, que ya he tenido el honor de traer aquí.
Interface y algunos otros álbums de Heldon logran retomar muy bien el guitarreo frippiano de una forma original que también logra usar técnicas y manejos electrónicos del estilo de Tangerine Dream. Entonces, el disco abarca tanto secciones instrumentales completamente dirigidas a sonoridades de techno y ambient, como de cierto guitarreo virtuoso y altamente disfrutable, todo dentro de mezclas electrónicas experimentales que presentan variaciones entre momentos de energía y otros de tranquilidad. El tema que cierra el disco y le da título agarra mucha más fuerza en la base rítmica, y pone especial énfasis en la ejecución de los tiempos, la batería se vuelve más protagónica y se van trazando poco a poco movimientos electro-rockeros, a partir de sonoridades bien intercaladas.
No es un disco muy fácil de escuchar, pero vale la pena prestarle mucha atención y encontrar los detalles sonoros que nos tiene preparados.
Próximamente estaré publicando más de Heldon, cuyo papel en el rock progresivo y electrónica me parece hasta cierto punto, decisivo, importante y lleno de inovación.

(Links en mediafire y rapidshare en los comentarios)

Tracks Listing
1. Les soucoupes volantes vertes (2:28)
2. Jet Girl: in New York or Paris, equivalent / in south Bronx (9:53)
3. Bal-a-fou (7:25)
4. Le fils des soucoupes volantes vertes (1:56)
5. Interface (19:02)

Line-up
- Richard Pinhas / Moog III et B, guitar, electronics
- François Auger / drums, synthesizer, composition (4)
- Didier Batard / bass (4)
- Patrick Gauthier / Minimoog, composition (3), Moog bass

2008/Alva Noto + Ryuichi Sakamoto with Ensemble Modern/"utp_"

"utp_" es ya el tercer trabajo y el más reciente de la reunión entre Alva Noto + Ryuichi Sakamoto, este último lo podemos recordar por que intensamente ha trabajado con David Sylvian, aunque también es conocido por la música de las películas "The Last Emperor", "Tacones Lejanos", "Snake eyes", etc. Para este nuevo trabajo se les une el Ensemble Modern (también conocido por su música con Frank Zappa, Pierre Boulez, etc.) que aporta mucho misticismo y experimentación sonora a un álbum, ya de por sí extraño. Para quienes no lo conocemos, Alva Noto es un músico experimental electrónico nacido en Alemania, que ha colaborado con varios músicos conocidos y no tanto, ha creado obra particular como solista, y se dedica a usar el arte y la música como complementarios para crear vistas microscópicas de procesos creativos. Es famoso por crear música de sonidos que pasamos por alto, como ruidos de módem o teléfonos.

(Link en mediafire a 320 kbps en los comentarios o sobre la tapa del álbum)

Track listing:
1. Attack
2. Grains
3. Particle 1
4. Transition
5. Broken Line 1
6. Plateaux 1
7. Silence
8. Particle 2
9. Broken Line 2
10. Plateaux 2

Credits:
Artwork By [Design] - Raster-noton
Electronics - Alva Noto
Mixed By - Carsten Nicolai , Fernando Aponte , Ryuichi Sakamoto
Music By - Alva Noto Aka Carsten Nicolai* , Ensemble Modern , Ryuichi Sakamoto
Other [Score Copyist] - Max Knoth
Other [Text] - David Toop
Piano, Electronics - Ryuichi Sakamoto
Recorded By - Joachim Schlosser

1999/Adrian Belew/"Salad Days"

Estados Unidos, 1999. Ya nos habíamos olvidado un poco de la obra de Adrian. "Salad Days" es un álbum casi en su totalidad acústico, aunque esporádicamente se oyen instrumentos que no son su propia guitarra. En este álbum, Adrian Belew nos muestra un breve repertorio de su completísima obra, incluídos temas de King Crimson, como 'Dinosaur', 'Cage' (muy buena versión) o 'Three of a Perfect Pair' (en vivo), y su obra solista como 'The Lone Rhinoceros' o 'Men in Helicopters' y tantas otras. Es un álbum de "ensalada" light como dice el título del álbum, algo pasivo, pero sin duda es un must have, por las versiones acústicas. A mi en lo personal me gusta mucho el tema 'Bad Days' o 'Fly', y los que mencioné anteriormente. Espero a ustedes también les agrade. 1000 gracias por sus comentarios y por seguir el blog.

(Link en mediafire a 320 kbps en los comentarios o sobre la ensalada de Adrian)

Temas:
1. The Lone Rhinoceros
2. Men in Helicopters
3. The Rail Song
4. Everything
5. Three of a Perfect Pair
6. Return of the Chicken
7. Never Enough
8. The Man in the Moon
9. I Remember How to Forget
10. Bad Days
11. Fly
12. Young Lions
13. Things You Hit With a Stick
14. Cage
15. Dinosaur 16. One of Those Days

1972/Emerson, Lake & Palmer/"Trilogy"

Reino Unido, 1972. Hace días que traigo en la cabeza el tema 'From the Beginning', compuesto por Greg Lake, quien fuera parte del primer King Crimson de la historia. Tal vez sea uno de los primeros temas de rock progresivo que escuché, "Trilogy" también es uno de los primeros álbumes que escuché de Emerson, Lake & Palmer. La hermosa 'Trilogy' que le da título al álbum, con sus cambios de ritmo y estilo en el mismo tema es prodigiosa. Se dice que el trío quería contratar al artista catalán Salvador Dalí para que pintara la portada del álbum, pero el precio que el surrealista pedía era bastante exorbitante, así que optaron por el estudio Hipgnosis. Les fue mejor, ya que a nuestros días los recordamos como autores de las portadas de discos tan importantes para artistas como Caravan, Peter Gabriel, 10CC, Wishbone Ash, Pink Floyd, Yes, Scorpions o UFO.

(Link en mediafire a 320 kbps en los comentarios o sobre el cuarto álbum de ELP)